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Gustarte's and Oliveoshop

De la collaboration entre oliveoshop et aArte29, une célèbre galerie italienne d'art visuel contemporain engagée dans la recherche et orientée vers des auteurs qui étudient de nouvelles formes de perception et de vision de la réalité à la lumière de l'assimilation multiforme de la réalité elle-même, GUSTARTE'S est née une manière nouvelle et inhabituelle de transmettre le goût de l'art et de l'huile E.V.O. avec l'idée de mettre dans un coffret cadeau qui est un véritable totem publicitaire visant à promouvoir les deux thèmes importants. Ce projet et son incipit ont été partagés par certains des artistes les plus célèbres sur la scène internationale, tout d'abord Ernesto Morales et Mirjam Appelhof puis Barbara Nati, Patrizia Posillipo, Massimiliano Mirabella, Sasha VinciMaria Grazia Galesi Kyle Thompson, e Francesco Cimmino


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Ce projet et son incipit ont été partagés par certains des artistes les plus célèbres sur la scène internationale, tout d'abord Ernesto Morales et Mirjam Appelhof. La recherche picturale d'Ernesto Morales, artiste argentin né en 1974 à Montevideo (Uruguay) et vivant actuellement en Italie, se caractérise par un fort engagement dans la recherche sur les questions de mémoire, de distance, d'identité et d'exil, témoignant de la nécessité de revivre la géométrie des espaces urbains et la suspension indéfinie des lieux de l'esprit à travers l'interprétation de la mémoire selon une syntaxe symbolique d'éléments formels liés à l'expérience émotionnelle et au rêve de chaque individu. Depuis 2005, Ernesto Morales a exposé dans différents pays d'Amérique du Sud et d'Europe, entre autres : Argentine (Buenos Aires, Mendoza, Cordoue, Salta, Jujuy), Italie (Rome, Milan, Pise, Naples, Turin, Gênes), France (Paris, Bordeaux, Toulouse, Bayonne), Espagne (Madrid, Barcelone, Bilbao) et Allemagne (Cologne). Depuis le début de 2006, l'activité artistique d'Ernesto Morales, centrée sur les questions liées à l'identité culturelle et aux relations migratoires entre l'Europe et l'Amérique du Sud, est parrainée par l'Ambassade d'Argentine en Italie, le Département culturel du Gouvernement de la Ville de Buenos Aires, la Direction générale du Département de la Culture du Ministère argentin des Affaires étrangères, l'Institut italien de la Culture de la Ville de Buenos Aires.


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Les trois principes directeurs de l'œuvre de l'artiste néerlandaise Mirjam Appelhof sont l'art en tant que besoin esthétique, en tant que besoin intellectuel et en tant que porte d'entrée vers des mondes possibles. Sa photographie n'est pas née comme un instantané mais plutôt lentement, couche sur couche comme un peintre avec la toile : une œuvre ancienne avec un médium moderne et contemporain ! La superposition des traits sur les images et le pot de fusion des techniques et des processus révèle une grande innovation et éclectisme et se caractérise par les traits des grands maîtres de la peinture hollandaise. L'attention au détail, parfois à l'infini, à la luminosité et à l'hiératisme des visages sculptés dans l'obscurité ou dans la lumière, semble être une élaboration inspirée par des rêves et des visions qui restent presque toujours évanescents et insaisissables. Mirjam Appelhof atteint ainsi une dimension onirique, dans une hypnose créative de lieux imaginaires mais aussi familiers, tantôt froids et aigus, tantôt chauds et ombragés, sa poésie en images est honnête, sincère, jamais banale, son contenu nettement surréaliste, ses sujets aspirent au perfectible et sont des signes de feu qui conduisent à l'universel. L'imaginaire et le sensoriel représentent le territoire de communion entre l'Art et le Goût, où nous voulons prendre le profane comme connaisseur avec GUSTARTE'S, l'invitant à se perdre dans la dimension perceptive, entre le goût et l'odorat, entre la contextualisation des sens, l'imaginaire et l'art compris comme sublime perception sensorielle, en essayant dans la synthèse finale de créer cette connaissance indéterminable qui n'est actuellement qu'un patrimoine culturel du vin et de ses admirateurs.


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Barbara Nati, née à Rome en 1980, a la sensibilité consciente de sa nature en tant que mutant hybride ; dans son travail s'accumulent des formes de réalité prises directement des profondeurs de la mémoire qui, bien qu'elles appartiennent au niveau de l'expérience physique possible, finissent par s'éloigner totalement du système concret des objets. Avec ses images d'un charme extraordinaire, il joue ironiquement pour produire chez le spectateur un sentiment agréable, mais désorientant du contraire. Le travail de Barbara Nati va au-delà de ce qui est normalement compris par la photographie et se distingue surtout par son effet aliénant. Ses recherches, profondément lyriques, se concrétisent par une utilisation prudente et habile des outils numériques et technologiques. Son langage oscille toujours entre poétique et ironique et exprime des messages éthiques et sociaux essentiels, avec une attention particulière aux questions environnementales. Chaque mise en scène, en fait, nous invite à revoir ce que nous tenons pour acquis et provoque une réaction viscérale chez l'observateur qui a besoin d'une interprétation rationnelle à travers une métaphore sombre de l'avenir imminent.


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Patrizia Posillipo est née entre films et appareils photo, enveloppée dans l'odeur de la chambre noire. A l'âge de moins de six ans, dans la cour derrière l'atelier de ses parents, elle pose et prend des photos de ses poupées : la photographie, qui pour sa famille, aussi intéressante soit-elle, est un métier, devient dans sa passion de la vie qu'elle suit en obtenant son diplôme en photographie à l'IED (Institut Européen du Design) à Rome en 1996, tout de suite après avoir obtenu le C.R.A.F (Centre de Recherche et d'Archivage de la Photographie) de Spilimbergo, le Master en Culture de la Photographie, finalement diplômé en tant que designer à la Faculté d'Architecture de la Deuxième Université de Naples. Au fil des années, il collabore avec des photographes italiens et étrangers d'importance internationale, tout en explorant des voies de recherche individuelles et collectives.


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Massimiliano Mirabella vit et travaille entre Naples et Caserta où il enseigne toujours la décoration picturale et scénique à l'Institut d'Art de San Leucio ; il est diplômé en 1993 à l'Académie des Beaux-Arts de Naples en Peinture avec Maître Armando De Stefano. Dans son travail, Mirabella ne ramène pas tout court à l'un de ses spectacles, elle le transfère plutôt à un autre niveau de perception qui chevauche sa vision du monde à celle de ceux qui obstruent violemment sa recherche naturelle de la beauté artistique selon différents codes interprétatifs ; les hommes qui se battent se cristallisent sous la forme de son travail. C'est l'axe sur lequel se déplace la nouvelle frontière de la connaissance, celle qui présuppose la nécessité de redécouvrir nos racines pour apprendre à planifier un avenir qui n'a jamais été aussi obscur dans l'histoire de l'humanité. A cet égard, Massimiliano Mirabella a développé l'idée qu'étiqueter un artiste comme peintre, plutôt que comme sculpteur ou interprète, est plus utile à l'écrivain d'art qu'à l'artiste, car une technique unique et définie représente la tombe de la créativité. Pour Mirabella, photographie, peinture, sculpture, installation et performance, sont simplement des langages unis par un fil commun ; dans ses œuvres, ces outils travaillent tous en fonction du but ultime qui est d'amener le spectateur à s'arrêter et à réfléchir sur les émotions suscitées par son œuvre.


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"La terra dei fiori " Palais Royal de Caserta.
Dans l’unicum de terre, olive, huile et art, les représentations florales du projet "La terra dei fiori" du duo Sasha Vinci - Maria Grazia Galesi constituent une connotation supplémentaire du principe de vie, de paix et de renaissance. Protéger et préserver la planète est le début du Duo : notre corps nourrira les fleurs et la vie renaîtra des fleurs dans un printemps pérenne ! Comme l'écrit le conservateur Daniele Capra dans son texte, "La beauté simple mais fière des gerberas et des chrysanthèmes incarne la réaction à l'effondrement d'un territoire soumis au crime et est une métaphore de l'inversion possible de l'emprisonnement forcé", de sorte que l'olivier, avec sa résistance et sa ténacité, a incarné au cours des siècles le concept de paix, de vigueur, de santé et de beauté, accompagnant la vie d'un nombre indéfini de générations... continuant à le faire dans l'avenir indépendamment de la volonté des hommes !


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Kyle Thompson est un jeune photographe de classe 92, né à Chicago et actuellement basé à Portland, Oregon. Sa carrière débute à l'âge de 19 ans lorsque, encore incertain de ses œuvres, il publie une série de 100 photos qui, de façon inattendue pour lui, sont accueillies par le public avec beaucoup d'enthousiasme, faisant de lui l'un des photographes contemporains les plus intéressants et changeant radicalement sa vie. Ses clichés nous parlent de rêves, parfois de cauchemars, de souvenirs d'enfance et de traumatismes, de sentiments et d'émotions avec un goût mélancolique et nostalgique qui stimulent la partie la plus intime de notre inconscient. Son travail est en grande partie composé de portraits et d'autoportraits souvent placés dans des lieux abandonnés ou inhabités où l'artiste explore sans influence extérieure ses émotions et les sentiments que ces environnements lui suscitent......


Proprio l’immaginifico e il sensoriale rappresentano il territorio di comunione tra Arte e Gusto, là dove si vuol portare con GUSTARTE’S il profano come l’intenditore, invitandolo a perdersi nella dimensione percettiva, spaziando tra il sapore e l’odore, tra la contestualizzazione dei sensi, l’immaginifico e l’arte intesa quale sublime percezione sensoriale.